Frida Kahlo: fuerte, compleja y totalmente única

Nombrada a menudo como la artista más influyente del modernismo latinoamericano, Frida Kahlo era una pintora nacida en México cuyo arte abordaba temas de melancolía, enfermedad, matriarcado, política revolucionaria y belleza indígena, a menudo con una inclinación surrealista.

Nacida en una familia adinerada de Coyoacán, Ciudad de México, Kahlo se introdujo en el arte a una edad temprana a través de la fotografía de su padre. A pesar de que su padre era alemán y su madre de ascendencia indígena y española, Kahlo priorizó y celebró los valores culturales y los sistemas de creencias indígenas a lo largo de su vida.

En los años 20 y 30, desarrolló muchas obras que afirmaban sus creencias izquierdistas, incluyendo Autorretrato en la frontera entre México y los Estados Unidos (1932) y Mi vestido cuelga allí (1933), pinturas que critican la historia imperialista de los Estados Unidos y el deseo capitalista de "progreso" industrializado.

Kahlo también abordó su dolor de larga data debido a varias enfermedades que sufrió a lo largo de su vida, algunas debido a un accidente de autobús que la dejó parcialmente inmóvil. Uno de los últimos cuadros de Kahlo antes de su prematura muerte en 1954 se titula El marxismo dará salud a los enfermos (1954), en el que representa su propio cuerpo con una de sus icónicas faldas largas y un corsé de cuero. En el fondo del cuadro, la mano flotante de Marx ahoga un águila que simboliza el imperialismo del Tío Sam.

La imagen icónica de Kahlo -el cejudo, la mirada desafiante, la colorida ropa indígena- ha provocado una ola global de "Fridamanía", que ha ayudado a impulsar el mercado de la artista mexicana más allá del de su marido, el muralista Rivera. Su récord en 2016 de 8 millones de dólares, por Dos Desnudos en el Bosque (La Tierra Misma) (1939), una pintura sobre metal vendida en Christie's en Nueva York, es 2,6 veces mayor que el de Rivera, 3 millones de dólares por el óleo a gran escala sobre lienzo Baile en Tehuantepec (1928) en Sotheby's Nueva York en 1995, y una diferencia de 4,92 millones de dólares.

Museo Frida Kahlo

Cuando uno profundiza en el conocimiento de la obra de Frida Kahlo y tiene el privilegio de conocer su casa, descubre la intensa relación que existe entre Frida, su obra y su casa. Aunque vivió en diferentes lugares de la Ciudad de México y en el extranjero cuando se casó con Diego Rivera, Frida siempre regresó a su casa en Coyoacán.

Ubicada en uno de los barrios más bellos y antiguos de la Ciudad de México, la Casa Azul fue convertida en museo en 1958, cuatro años después de la muerte del pintor. Hoy en día es uno de los museos más concurridos de la capital mexicana. El llamado Museo Frida Kahlo de la Casa Azul es el lugar donde los objetos personales revelan el universo íntimo de la artista latinoamericana más reconocida a nivel mundial.

Las buganvillas también siguen en pie, con sus espinosas vides serpenteando por los senderos y los parterres que Kahlo recorrió durante su vida. La pintora pasó innumerables horas en su jardín, una fuente de descanso e inspiración artística.

En esta casa se encuentran algunas de las obras más importantes de la artista: Viva la Vida (1954), Frida y la cesárea (1931), Retrato de mi padre Wilhelm Kahlo (1952), entre otras.

Calle Londres # 247, Colonia Del Carmen, Coyoacán

Ciudad de México 04100, México

Tel. +52 55 5554 5999

Horario del museo

Martes, de 10 a 17:30 horas.

Miercoles, de 11 a 17:30 horas

Jue.-Dom., de 10 a 17:30 horas

La frase célebre que Frida Kahlo nunca dijo

Yo solía pensar que era la persona más extraña en el mundo, pero luego pensé, hay mucha gente así en el mundo, tiene que haber alguien como yo, que se sienta bizarra y dañada de la misma forma en que yo me siento.

Rebecca Katherine Martin tenía 15 años cuando inadvertidamente fabricó esta frase que ahora perdura. La confusión comenzó en 2008 cuando Martin, una adolescente canadiense, imprimió las palabras sobre un recorte de revista de Kahlo y lo envió a PostSecret-un popular sitio web de arte por correo que publica postales con secretos anónimos. A medida que la imagen se fue abriendo camino en Internet, las palabras de Martin y el rostro de Kahlo pronto se vincularon de forma indeleble.

Por más que ella lo intentara, poco podía hacer Martin para corregir el registro una vez que la imagen saliera. "No puedo bajar esos memes uno por uno y decirle a cada una de estas personas: 'Miren, en realidad tienen una idea totalmente equivocada sobre la Sra. Kahlo'", escribió Martin. "'Eso que crees que dijo fue escrito por una adolescente tonta de Markham, Ontario."

Frida Kahlo y sus pinturas

La vida de Frida Kahlo se ha convertido en algo tan icónico como su obra, en gran parte porque ella misma fue su tema más popular: aproximadamente un tercio de toda su obra son autorretratos. Sus obras eran intensamente personales y políticas, a menudo reflejando su turbulenta vida personal, su enfermedad y su relación con el muralista revolucionario Diego Rivera.

Kahlo dedicó su vida y su arte a la Revolución Mexicana y al simultáneo renacimiento artístico que ésta generó. Su estilo de pintura ha sido ampliamente categorizado; Rivera la consideraba realista, mientras que André Breton la consideraba surrealista, y Kahlo evitaba por completo las etiquetas.

"Yo pinto mi propia realidad", escribió. "Lo único que sé es que pinto porque lo necesito, y pinto lo que pasa por mi cabeza sin ninguna otra consideración". Se identificó más fuertemente con el arte popular y folclórico mexicano, lo que también se evidencia en su hábito de vestirse elaboradamente con trajes de tehuana.

La última pintura

La última obra de un artista prominente puede asumir un estatus casi místico. Por ejemplo, Frida Kahlo. ¿Qué preocupaciones artísticas definieron sus años crepusculares? ¿Su trabajo llegó a una resolución particular, o reveló una perspectiva sobre la mortalidad humana? De hecho, pintó sandías - con un conmovedor asentimiento al final de su vida inscrito en la carne de la fruta.

Aunque puede que haya pintado la mayor parte de la composición un poco antes, Kahlo terminó esta naturaleza muerta añadiendo las palabras "Viva la vida" a la carne de la cuña de sandía en primer plano, justo ocho días antes de su muerte. La frase, que significa "Viva la vida", tiene un significado especial en este contexto.

Debajo de ella, Kahlo escribió su nombre y el año y lugar de creación del cuadro. En conjunto, la inscripción conmemora la existencia de la artista y evoca su perseverancia a lo largo de una vida de dolor físico crónico. Aunque exuberantes en sus colores y arreglos, las sandías se asocian tradicionalmente con el Día de los Muertos. La fiesta mexicana es conocida por celebrar, más que por llorar, a aquellos que han fallecido.

Surrealismo

En América Latina, el surrealismo encontró su voz en la obra de artistas como Frida Kahlo, cuyo estilo artístico altamente personal era paralelo a aspectos del surrealismo sin tener una deuda intelectual específica con él. En Árbol de la Esperanza (1946), Kahlo no representa un árbol real, sino un autorretrato doble en un paisaje desconocido, un cuadro que sugiere tanto el accidente de autobús de 1925 que la dejó estéril, como la posibilidad de renovación. Mientras que su representación de temas fantásticos recuerda a las obras de Magritte o Dalí, la pintura de Kahlo celebra el arte cotidiano de la pintura tradicional mexicana ex voto.

Las obras surrealistas más fuertes y exitosas de las mujeres, según el especialista de Sotheby's Julian Dawes, ofrecían un contrapunto. Son "reflexivas, contemplativas, que tratan la feminidad desde una perspectiva de búsqueda", dijo Dawes, citando a la más famosa de estas mujeres, Frida Kahlo, como ejemplo. En las obras de Kahlo, ella "no era esta mujer idealizada y sexualizada, sino esta representación muy natural y descarnada, gráfica y dolorosa" del ser. Los museos reconocen desde hace mucho tiempo a Kahlo, que es un fenómeno mundial desde hace décadas. Kahlo tiene alrededor de 300 obras en existencia, la mayoría de ellas en México bajo patrimonio nacional.

El abrazo de amor del universo, la tierra

La relación de Kahlo con su compañero pintor Diego Rivera era nada menos que volátil. Su matrimonio oscilaba vertiginosamente entre la pasión, la alienación y la ira. Pero a través de todo esto, ambos consideraron su amor como profundo y esencial. "Tu palabra viaja por todo el espacio y llega a mis células, que son mis estrellas, y luego a las tuyas, que son mi luz", escribió Kahlo en una de las muchas cartas de amor a Diego.

Esta pintura desentierra la complejidad de su relación y de la visión de Kahlo sobre el amor en general. Como un dibujo evolutivo o un árbol genealógico, la Madre Tierra Azteca Cihuacoatl sostiene a Kahlo, quien a su vez sostiene a Rivera. La composición enfatiza la independencia de Kahlo, pero también su frustrante incapacidad de tener un hijo; en cambio, parece sugerir que está destinada a criar a un marido infantil.

La pintura de Frida Kahlo redescubierta después de 60 años

Durante seis décadas, el paradero de la pintura de Frida Kahlo de 1929, Niña con Collar, permaneció desconocido. La única prueba de que el retrato al óleo sobre lienzo había existido era una fotografía en blanco y negro tomada por Lola Álvarez Bravo en el catálogo razonado de la artista a partir de 1988.

Niña Con Collar ha permanecido con un único propietario, una de las antiguas ayudantes de la artista, desde 1955, el año siguiente a la muerte de Kahlo a la edad de 47 años. Como muestra de gratitud, el esposo de Kahlo, Diego Rivera, regaló el cuadro a esta asistente, que había trabajado estrechamente con la artista en su estudio de la Ciudad de México.

Aunque hoy en día se anuncia que Kahlo es una maestra del surrealismo, no siempre fue así. "En ese momento, créame, a nadie le importaba Frida Kahlo", dijo Axel Stein, director de Arte Latinoamericano de Sotheby's, de mediados de los años 50. Pero, dice, la propietaria no se quedó con la pieza por razones de valor monetario. "Es algo que era muy querido para [la dueña] y ella no quería desprenderse de la misma", dijo Stein, señalando que la consignataria tiene ahora noventa años. "Era un recuerdo para ella. Era algo que guardaba muy cerca de ella".

La propietaria salió de México con el cuadro en la década de 1950, un detalle importante porque el país tiene ahora estrictas leyes de protección del patrimonio nacional que impiden la exportación de obras de arte de ciertos artistas importantes. Kahlo se encuentra entre los contemplados en la ley, pero su nombre se añadió a la lista de artistas protegidos mucho después de que la actual propietaria dejara el país y, por tanto, "no había realmente ninguna cuestión de patrimonio nacional", dijo Stein. Ahora que vive en California, donde la obra se ha mantenido por más de seis décadas, la propietaria se acercó a la sucursal de Sotheby's en la Ciudad de México y les informó que estaba buscando vender la pieza.

Esa pequeña producción total hace que cualquier redescubrimiento de una obra de Kahlo sea muy emocionante. Pero esta obra de rico colorido es notable, especialmente cuando se la compara con la imagen en blanco y negro que la ha representado durante mucho tiempo. "Esta es una de las primeras 25 pinturas que ella hizo y son muy vibrantes, colores muy básicos", dijo Stein. "El cobre de la piel está muy bien modulado pero también el azul es súper vibrante. La pintura se mantuvo en buenas condiciones".

Aunque no es un autorretrato, esta figura está adornada con rasgos que se parecen a los que Kahlo solía representarse a sí misma, desde la ceja hasta un collar. "Lo primero que te llama la atención es la forma en que está hecho el retrato, es un retrato frontal", dijo Stein. "Si más tarde miras los autorretratos de Frida, verás que sus retratos preferidos son frontales, mirando directamente a los ojos del espectador".

Entre la producción de Kahlo que se detalla en su catálogo razonado, faltan todavía algunas obras, entre ellas la significativa obra La mesa herida (1940), que se perdió en el camino a Moscú en la década de 1950. Así que incluso cuando Niña Con Collar vuelve a la vista del público -en palabras de Stein- "hay más de este misterio".

Biografía de Frida Kahlo

Magdalena Carmen Frieda Kahlo y Calderón, conocida como Frida Kahlo, nació en las afueras de la Ciudad de México en 1907. Cuando era niña Kahlo planeaba estudiar medicina, sin embargo en 1925, a la edad de dieciocho años, se vio envuelta en un accidente de autobús que casi la mata y del que nunca se recuperó del todo. Kahlo estuvo confinada a su cama durante meses y durante este tiempo comenzó a experimentar con el autorretrato que definiría su obra. A partir de entonces se dedicó plenamente al arte y su ardua, y a menudo dolorosa, convalecencia se convirtió en un tema recurrente en su obra.

En los años siguientes, la franca Kahlo se unió al Partido Comunista Mexicano y se involucró cada vez más en el mundo del arte de la Ciudad de México. A través de la escena artística mexicana conoció al pintor Diego Rivera en 1928 - los dos se habían conocido brevemente una vez antes, años antes en su escuela preparatoria. La improbable pareja se involucró románticamente y se casaron en 1929. El corpulento Rivera, de dos metros de altura, era veinte años mayor que Kahlo - la madre de Kahlo describió cortésmente a la pareja como "el elefante y la paloma". Después de su boda, Kahlo comenzó a trabajar en su pintura a tiempo completo, desarrollando su ya icónico -y a menudo difícil de categorizar- estilo. Mientras que algunos la consideraban surrealista, y Rivera la describió como realista, Kahlo nunca se identificó con ningún movimiento específico, sino que dijo "Lo único que sé es que pinto porque lo necesito, y pinto lo que pasa por mi cabeza sin ninguna otra consideración".

Después de encontrarse con la obra de Kahlo mientras viajaba en la Ciudad de México en 1938, el padre del surrealismo André Breton facilitó su primera exposición individual en la Ciudad de Nueva York. Viajando a Manhattan vestida con el traje tradicional mexicano que adoptó en su período de madurez, Kahlo causó una cierta sensación mediática. Después de su incursión en la ciudad de Nueva York, visitó París para exhibir en una exposición surrealista, pero se desanimó por el hiper-intelectualismo del grupo y regresó a México.

A su regreso, los siempre tumultuosos Kahlo y Rivera se divorciaron, para volver a casarse al año siguiente en 1940. La salud de Kahlo se deterioró constantemente en los años siguientes y no pudo viajar debido a ello, sin embargo su trabajo ganó mayor atención y aclamación internacional con pinturas incluidas en numerosas exposiciones colectivas en toda América del Norte. En 1950 dependía de una silla de ruedas, pero aún así continuó pintando y participando en la política. En el año anterior a su muerte en 1954, tuvo su primera exposición individual en México en la galería Lola Álvarez Bravo, donde se colocó una cama de cuatro postes en el centro de la galería para que pudiera tumbarse allí para la inauguración.

Las cartas de amor de Frida Kahlo a Diego Rivera

Con unas 200 obras a su nombre, Frida Kahlo no era una pintora prolífica. Pero ciertamente era una amante prolífica: Su lista de romances se extendía a través de décadas, continentes y sexos.

Se dice que estuvo íntimamente involucrada, entre otros, con el teórico marxista León Trotsky, la bailarina Josephine Baker y el fotógrafo Nickolas Muray. Sin embargo, fue su obsesiva y duradera relación con su compañero pintor Diego Rivera-por quien había albergado un apasionado enamoramiento desde que lo vio a la edad de 15 años- lo que afectó más poderosamente a Kahlo.

Muchos de sus lienzos aluden a la conexión volátil pero esencial entre los dos artistas impulsivos, que se casaron en 1929, se divorciaron unos diez años después y se volvieron a casar poco después. En un autorretrato especialmente revelador, Diego en mi mente (Autorretrato como Tehuana) (1943), Kahlo tatúa un pequeño parecido de Rivera en el medio de su frente. Pero son sus cartas de amor hechizantes las que dejan claro lo profundamente afectada que estaba por su relación con el muralista mexicano.

Varias de estas cartas fueron redactadas en el famoso diario de Kahlo, que comenzó unos años después de volver a casarse con Rivera y que mantuvo hasta su muerte en 1954. Juntas, revelan las complejidades del amor de Kahlo por la célebre artista mujeriego, que comenzó como su mentor y terminó como su igual. Pero cada uno, a su manera, también afirma la mutualidad del deseo primordial de la pareja por el otro. Su pasión combinaba sexo, espiritualidad y pintura, y condujo su relación a través de innumerables infidelidades y altercados.

La primera carta de Kahlo a Rivera en el diario, garabateada en cursiva en bucle, revela una potente mezcla de violencia, angustia, amor y arte. "Te pido violencia, en el sinsentido, y tú, tú me das gracia, tu luz y tu calor," escribe, en un guiño a la naturaleza explosiva de su relación. Y luego, inmediatamente después, afirma su amor por él en un lenguaje que ambos entienden muy bien: la pintura. "Me gustaría pintarte, pero no hay colores, porque son muchos, en mi confusión, la forma tangible de mi gran amor". La pasión de Kahlo por Rivera es tan intensa y multifacética, explica, que no hay suficientes matices para capturarla.

En otras cartas, también, Kahlo usa el vocabulario del color para describir el sexo y el amor. "Tus ojos verdes espadas dentro de mi carne. Ondas entre nuestras manos. Todos ustedes en un espacio lleno de sonidos - en la sombra y en la luz. Te llamaron AUXOCROMO el que captura el color. YO CROMOFORA - el que da el color". Los auxiliares y cromóforos, el yin y el yang de la teoría del color, son los bloques de construcción molecular que nos permiten ver el mundo en todos sus numerosos matices. En la misiva de Kahlo, representan una relación romántica en la que uno da y el otro toma.

Mientras que esta metáfora insinúa la desigualdad y el desequilibrio, Kahlo afirma una y otra vez que, a pesar de la confusión, esta es una relación en la que ella prospera. En una entrada consecutiva, escribe: "Sobre tu forma, los latigazos de las flores respondieron a mi toque, el murmullo de los arroyos. Había toda clase de frutas en el jugo de tus labios, la sangre de la granada, el horizonte de la mamma y la piña purificada. Te apreté contra mi pecho y el prodigio de tu forma penetró toda mi sangre por la punta de mis dedos". Un amor que hace correr su sangre por todos los extremos de su cuerpo, hasta la punta de sus dedos, esas extremidades que acarician a sus amantes y que empuñan su pincel.

Pero Kahlo también creía que su relación con Diego Rivera trascendía el mundo corporal, físico e incluso pictórico. "No es amor, ni ternura, ni afecto, es la vida misma, mi vida, la que encontré cuando la vi en tus manos, en tu boca y en tus pechos", le escribe. "Tengo el sabor de las almendras de tus labios en mi boca. Nuestros mundos nunca han salido al exterior. Sólo una montaña puede conocer el núcleo de otra montaña".

Frida Kahlo como icono de estilo

Los artistas vierten sus sueños más salvajes y sus emociones más profundas en su trabajo. A menudo, lo mismo se puede decir de sus armarios: evidencia sartorial no sólo de su estética, sino también de sus espíritus internos. "La belleza y la fealdad son un espejismo", dijo Frida Kahlo una vez. "Todos terminan viendo cómo somos por dentro".

El estilo extravagante y colorido de Kahlo reflejaba su interior: fuerte, complejo y totalmente único. Los accesorios y atuendos de la pintora -coronas de flores, elaboradas joyas de plata, vestidos saturados con los profundos tonos de su México natal- son el centro de atención de sus ardientes autorretratos y siguen siendo instantáneamente reconocibles muchos años después de su muerte, en 1954.

Los primeros traumas físicos de un ataque de polio y un accidente de tranvía dejaron las piernas de Kahlo desparejas, una condición que ella ocultó bajo los vestidos tradicionales mexicanos con fuertes patrones. Los vestidos también tenían un significado conceptual para Kahlo; se originaron en la región de Tehuantepec, que era conocida por su sociedad matriarcal, dirigida por mujeres fuertes.

También acentuó sus características físicas más identificables. Oscureció con un lápiz negro sus ya gruesas cejas, que su esposo Diego Rivera describió una vez como "alas de colibrí", y adornó su cabello con cintas de colores y flores arrancadas de su jardín.

Estos detalles se han convertido en inseparables de su trabajo revolucionario y de su fogosa y libre personalidad. Juntas, estas cualidades han inspirado a diseñadores de moda desde Riccardo Tisci hasta Dolce & Gabbana y Jean Paul Gaultier, cuya colección primavera-verano de 1998 fue un homenaje inconfundible a la pintora.

FridaMoji

De las 143 pinturas que Frida Kahlo produjo en su vida, 55 son autorretratos. Muestran a la artista radical mexicana experimentando una vertiginosa montaña rusa de emociones: angustia, resistencia, dolor, dudas y pasión. También son la inspiración detrás de un conjunto de 160 emoji llamados FridaMoji.

Sam Cantor, el galerista y diseñador gráfico residente en Los Ángeles, es el creador de FridaMoji. El diseñó su primer emoji inspirado en Kahlo el verano pasado. La cuenta de Instagram para Cantor Fine Art, la galería que dirige con su padre, estaba atrayendo a un número creciente de seguidores, y Cantor quería atraerlos. Su estrategia: hacer una pregunta sencilla a su público. "Si fuera a hacer emoji de los artistas, ¿a quién querrías ver?"

"Me sorprendió la rapidez con la que llegaron las respuestas", dice Cantor. Los pedidos de Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Yayoi Kusama y van Gogh llenaron su bandeja de entrada. Así que se puso manos a la obra, utilizando los conocimientos de diseño gráfico y dirección de arte que había perfeccionado durante sus años de trabajo en la poderosa agencia de publicidad Wieden+Kennedy. Los publicó uno a uno en el feed de Cantor Fine Art. Y mientras que todas sus creaciones provocaban entusiasmo, fue la Frida Kahlo emoji de Cantor la que "fue, con diferencia, la más exitosa", recuerda.

Ha retocado el clásico emoji de "mujer" añadiendo una corona de flores, hecha con los iconos del "hibisco" y la "flor de cerezo", el emoji de "mono" y una ceja. Era inconfundible Kahlo, y los gustos fluyeron. También lo hicieron los correos electrónicos de museos de primer nivel, fundaciones de artistas y compañías japonesas y coreanas de emoji que pedían asociarse con Cantor en el proyecto y ampliarlo.

Puso a punto el clásico emoji de "mujer" añadiendo una corona de flores, hecha con los iconos del "hibisco" y la "flor de cerezo", el emoji del "mono" y una ceja. Era inconfundible Kahlo, y los gustos fluyeron. También lo hicieron los correos electrónicos de museos de primer nivel, fundaciones de artistas y compañías japonesas y coreanas de emoji que pedían asociarse con Cantor en el proyecto y ampliarlo.

Una conversación, con la Corporación Frida Kahlo (la entidad que "posee los derechos de la marca Frida Kahlo World Wide", según su sitio web), comenzó a desarrollarse más rápidamente que el resto. Al conversar con Cantor, Beatriz Alvarado de la Corporación Frida Kahlo se dio cuenta de que compartían la misma visión sobre el legado de Kahlo.

Era un objetivo ambicioso, y no sin desafíos. En primer lugar, Cantor y Alvarado se enfrentaron a un problema de diseño: ¿Cómo comunicar la complejidad de una vida y un trabajo tan multifacético al lenguaje gráfico y reglamentado del emoji? Su investigación culminó en un viaje a la Ciudad de México, donde pasó dos semanas estudiando las pinturas de Kahlo en persona.

El primer lienzo que vio Cantor fue Las Dos Fridas (1939), el famoso doble retrato de Kahlo que pintó después de su divorcio de Diego Rivera. Cantor se obsesionó con la obra de Kahlo. Y pronto diseñó 400 emoji basados en las pinturas de Frida, su vida y la beca que se escribió sobre ella. De esos diseños iniciales, 160 hicieron el corte final de Alvarado. Algunos fueron descartados por razones estéticas, otros por cuestiones relacionadas con el patrimonio de la artista.

Ahora, los amantes de Kahlo y los fanáticos del emoji expresivo en todas partes pueden descargar la aplicación y empezar a enviar iconos inspirados en las muchas emociones de Kahlo. Uno muestra a una Kahlo angustiada, rodeada de una maraña de espinas, basada en Autorretrato con Collar de Espinas y Colibrí (1940). Otra muestra a Kahlo vestida como un hombre con el pelo recién cortado, basada en Autorretrato con el pelo cortado (1940). Y otra la muestra felizmente unida a un mono, basada en Autorretrato con monos (1943).

FridaMoji de Cantor y la Corporación Frida Kahlo tiene como objetivo involucrar a una nueva generación con este aspecto integral del trabajo de Kahlo - y, con suerte, hacerles señas para que aprendan sobre su vida, sus pinturas y su legado en el proceso.

Película Frida (2002)

Una de las razones por las que a los directores les encanta hacer películas sobre pintores famosos es que, casi por definición, estas películas presentan imágenes hermosas e icónicas. La película biográfica Frida Kahlo, ganadora de un Oscar, protagonizada por Salma Hayek, contiene una buena cantidad de imágenes sorprendentes, pero sólo unas pocas de ellas muestran las pinturas de Kahlo; de hecho, en casi ningún momento de la película vemos a Kahlo haciendo arte. En su lugar, Taymor utiliza un trabajo de cámara íntimo y en primera persona y su habitual y exuberante escenografía para descubrir el genio artístico en la vida misma de Kahlo.

Este gambito no siempre da resultado, pero cuando lo hace, produce algunos resultados sorprendentes, como la temprana y fantasmagórica escena en la que una Kahlo gravemente herida alucina con un hospital lleno de cirujanos-esqueletos. Un director de mente más literal podría haber terminado esta escena con imágenes de las pinturas de Kahlo inspiradas en su roce con la muerte, pero Taymor opta por algo más desafiante: Ella transmite la febril creatividad de Kahlo mostrándonos el hospital directamente a través de sus ojos.